ensenada canadiense (Milton Avery, 1940)


“Trato de construir una imagen en la que las formas, los espacios, los colores, formen un conjunto de relaciones únicas, independientes de cualquier tema. Al mismo tiempo, trato de capturar y traducir la emoción y la emoción que me provoca el impacto con la idea original.”

Milton Avery es un pintor de difícil clasificación. Aunque residió desde 1925 en Nueva York, su universo pictórico se mantuvo siempre alejado de las tensiones de la vida urbana y cercano a la naturaleza tranquila y apacible. Si bien se asienta sobre las bases de la tradición realista de la American Scene, su pintura es demasiado abstracta para poder adscribirle a esta tendencia. Sin embargo, aunque fue un buen amigo de Rothko o Gorky, que se convertirían en protagonistas de la abstracción americana, su pintura nunca se desvinculó lo suficiente de la representación como para formar parte de los movimientos abstractos.

Ensenada canadiense, un lienzo fechado en 1940, es un buen ejemplo de su delicado estilo de formas abreviadas y colores brillantes y de su mundo arcádico y apacible. Representa una tranquila escena costera, que alude al verano pasado por la familia Avery en la península de Gaspé, cerca de Quebec, en 1938. Su mujer Sally y su hija March aparecen leyendo, o dibujando, plácidamente sobre un promontorio situado por encima de la ensenada, cuyo perfil en diagonal divide la composición en dos formas trapezoidales.

La manera simplificada de representar la naturaleza, desprovista de detalles, y su personal cromastismo son características de su inconfundible lirismo. El armonioso tono azulado que invade toda la composición y la aplicación de la pintura a base de pinceladas sueltas, que crean grandes planos de color, hablan de la influencia de Henri Matisse, al tiempo que anuncian su próxima derivación hacia una mayor abstracción.

Un artista singular, Milton Avery desafió las tendencias estilísticas y trazó su propio camino a través del modernismo estadounidense. Un hombre tranquilo que no se ajustaba necesariamente a la noción romántica y bohemia del artista moderno y vanguardista, Avery usó audazmente el color y las formas abstractas para transmitir una visión única de la escena estadounidense. Amigo de los jóvenes expresionistas abstractos, Avery les transmitió su visión única del poder del color y, a su vez, parecía intrigado por sus exploraciones del poder de las composiciones ambiguas y abstractas.

Aunque a menudo se pasa por alto en los anales del arte estadounidense, Avery fue una piedra de toque no solo para los expresionistas abstractos y los pintores de campo de color posteriores, sino también para pintores más contemporáneos, como Peter Doig, que enfatizan el color para transmitir el estado de ánimo de lugares y recuerdos. Si bien su reputación a menudo se ve ensombrecida, el arte de Avery parece nuevamente fresco nuevamente.

Inmerso en los experimentos de color de los modernistas europeos, como los fauvistas y los expresionistas alemanes, Avery usó el color de manera nítida y sutil, creando patrones visuales que estimulan y alivian al espectador. Evitando las pinceladas de bravura de los artistas franceses y alemanes, el color de Avery adquiere una sensación más atemporal y serena. Avery abstrae formas de sus formas más simples y partes componentes, dejando de lado detalles extraños. Su objetivo al hacerlo era transmitir la idea, la esencia del objeto, ya sea un modelo o un paisaje. Si bien muchas de sus composiciones podrían ser bastante abstractas, insistió en representar el mundo real de las cosas y las personas.


En Sketchers on the Rock (1943), Avery captura dos figuras encaramadas sobre una roca en un paisaje inquietantemente tranquilo de Vermont. El profundo cielo lavanda está dividido con árboles de color azul verdoso oscuro, y los figuras, pintados en bloques de bronceados y naranjas, se mezclan con los grises apagados del suelo.

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