habitación en Nueva York (E. Hopper, 1932)

23 Juny 2019


Con “Habitación de Nueva York” (1932) experimentamos el placer del voyeur que contempla la intimidad de una pareja absorta en su salón. La vida se congela en las teclas de un piano.

Esta escena refleja es una sencilla y doméstica imagen cotidiana, donde a través de una ventana abierta a la noche de Nueva York, contemplamos a una pareja, que aparentemente no tiene nada de peculiar.

Hay un hombre rubio en mangas de camisa leyendo el periódico en un sillón tapizado de rojo y la pantalla también tiene el mismo color, la mujer -que se supone que es su esposa -teclea con desgana las teclas de un piano, lleva un vestido de un color rojo intenso y la cabeza y hombros están girados hacia el piano, tocando las teclas con un solo dedo. 

Él lee el periódico y ella teclea desganadamente el piano, aparentemente todo es anodino y sencillo. Pero observemos con más detalle la escena. Es un matrimonio, él expresa una gran tensión leyendo la prensa, literalmente se vuelca en el periódico que tiene entre manos, no está en este mundo, lee con atención algo que centra su interés, y hace caso omiso a su esposa. Su mujer, se siente abandonada, está acostumbrada a estar aburrida, teclea con desgana el piano y es poseedora de un secreto.

De un momento a otro le dará una noticia a su esposo, solo está esperando el mejor momento. El cuerpo de la esposa está relajado, por lo que suponemos que la noticia no será negativa, es posible que sea una buena nueva, quizás un posible embarazo. El marido, lee con avidez una página de deportes o quizás sea el estado de la bolsa después del descalabro del año 1929. Es un matrimonio acomodado, tienen un piano y la decoración denota sofisticación; es decir se trata de un matrimonio burgués, de clase media alta.

En “Sunlights in Cafeteria” (1940) vemos a un hombre y una mujer sentados en mesas separadas en una cafetería soleada. Ellos son los únicos clientes. Lo que le interesa al artista es el momento de suspenso antes de que se establezca un primer contacto. En cierto sentido, la luz del sol en una cafetería representa una inversión de la situación en Nighthawks. En lugar de un restaurante con camarero, vemos una cafetería sin nadie que espere a los clientes. En lugar de una escena nocturna con luz fluorescente, tenemos luz brillante. En lugar de mirar hacia adentro desde afuera, estamos adentro mirando hacia afuera. En lugar de una esquina de la gran ciudad aparentemente prominente, estamos en una calle lateral tranquila. Pero la diferencia más importante radica en el hecho de que, aunque aparentemente los noctámbulos han venido al restaurante juntos, los dos invitados a la cafetería son extraños. Ella se sienta a plena luz del sol, él en la semi sombra. Se vuelve hacia ella, pero oculta su interés mirando por la ventana. Ella no puede mostrar su interés incluso en este punto, ni siquiera intenta llamar su atención como por accidente. Podría dirigirse discretamente hacia él, pero duda y se mira las manos. Esto no va a funcionar. La dura línea de sombra entre el hombre y la mujer no se superará a menos que uno de ellos tome la iniciativa.


the legend of John Brown (Jacob Lawrence, 1941)

16 Juny 2019


“The Legend of John Brown” comprende 22 serigrafías narrativas, creadas en 1977 por el artista Jacob Lawrence (1917-2000), sobre el tema del abolicionista John Brown.

La serie se basa en un conjunto de pinturas que Jacob Lawrence creó en 1941, La serie representa las elecciones morales dramáticas y los acontecimientos de la vida del abolicionista blanco John Brown, quien, a mediados de la década de 1850, organizó ataques encubiertos para liberar esclavos de las plantaciones del sur y lideró a las tropas antiesclavistas en un esfuerzo por mantener a Kansas libre. La serie comienza con la decisión de Brown de convertirse en activista, representa su lucha como organizador y estratega, y termina con su captura, condena y ejecución por traición en el invierno de 1859.

Brown fue una figura controvertida en su vida y sigue siéndolo hoy. Su ingenio y la violencia de sus métodos fueron aclamados como heroicos y temerarios. Lo que comenzó como un ataque contra los partidarios de la esclavitud se convirtió en un esfuerzo destinado a provocar la caída total del Sur. Las acciones y la notoriedad de Brown contribuyeron al inicio de la Guerra Civil, que finalmente logró su objetivo de abolir la esclavitud. Pero sus tácticas fueron atrevidas y, a veces, equivocadas, lo que resultó en sangrientas batallas y grandes pérdidas, incluida la muerte del propio hijo de Brown.

“The Legend of John Brown” representa a Jacob Lawrence con toda su fuerza artística. Con un color vibrante, precisión narrativa e imágenes gráficas potentes, Lawrence transmite de manera dramática la historia de John Brown en toda su complejidad.


la vía al Calvario (Gaetano Previati, 1901)

13 Juny 2019


Gaetano Previati (1852-1920), pintor italiano representante del divisionismo. Su técnica pictórica era muy diferente de la de los otros pintores divisionistas, al ser extremamente filamentosa y luminosa quienes encontraban sus pinturas demasiado simbolistas.

De “La vía del Calvario” existen dos versiones; una de 1901-1904 y la otra de 1912.

El artista propone la misma composición, los mismos personajes y la única diferencia está en la luz: en la segunda versión el cielo brilla con un deslumbrante azul, mientras que en la primera responde a los mismos tonos cálidos del resto del lienzo sin llegar a iluminar la procesión.

En ambas pinturas, la pincelada filamentosa parece dificultar aún más el ascenso de la procesión: la línea hace que sus ropas sean pesadas y las anclan al suelo. La sensación de fatiga y desesperación es fuerte.

La luz es la de una puesta de sol dramática, con un sol herido que arroja sus rayos sobre los protagonistas. Los personajes están abarrotados en el estrecho espacio del lienzo, todos reunidos alrededor de Cristo que asciende al Calvario bajo el peso de la Cruz.

En el lienzo, que se desarrolla horizontalmente, vemos grupos de mujeres, que se elevan con un paso marcado por la fatiga y el tormento. Tienen la luz de la puesta de sol detrás de ellos y las sombras de la oscuridad delante de ellos. Previati no nos muestra el grupo principal sino el final.

En “La Pasión” (1902) catorce piezas representan las diversas etapas del viaje de Jesús, su particular Vía Crucis:: la carga de la cruz, el encuentro con la Virgen María, y finalmente la crucifixión.

A través del uso del color y los ángulos de iluminación, el enfoque es claramente Jesús, resaltando su dolor y sufrimiento.

La túnica roja expresa todo el desgarro y sufrimiento del hombre. 

La secuencia de las catorce estaciones, imaginada por Previati colocada una al lado de la otra, subraya el tema del dolor y la Pasión de Cristo no solo gracias a la figura imponente, trágica y monumental sino también al ritmo cromático apremiante y la parábola de luminosidad que implica la sucesión de imágenes desde el primer cuadro hasta la oscuridad del último, en el que tiene lugar la tragedia.


Finalmente, en “El robo del cuerpo de Cristo” (1902) el pintor vuelve al tema de la pasión aunque con unas pinceladas grotescamente expresionistas.


la familia (Paula Rego, 1988)

10 Juny 2019


La ambigüedad en las narrativas de Paula Rego pone los pelos de punta.

Esta es una de las obras más inquietantes, misteriosas y extrañas de Paula Rego, que más sugiere amenazas y deseos de venganza, sin quedar del todo explícitos. Se titula “La familia” (1988).

Las tres mujeres parecen estar confabuladas contra el hombre tácitamente, aunque, por otro lado, puede ser que le estén ayudando. Imaginemos una historia: se trata del padre que viene borracho a casa y las dos hijas mayores le están desnudando para meterlo en la cama, mientras la tercera sólo mira a cierta distancia. Pero la actitud de todas resulta bastante sospechosa e irradia cierta violencia. La que está delante del hombre tiene una posición sexualmente agresiva respecto a él, colándose entre sus piernas abiertas, parece que intentado quitarle los pantalones. La otra chica, que le tiene asido por un brazo y con el otro le coge de la manga, muestra en su rostro una expresión ambigua, semi-sonriente, mirando no se sabe muy bien dónde, mientras tapa con su brazo el rostro y la boca del hombre, que nosotros percibimos casi como si lo estuviese ahogando. El hombre parece indefenso en manos de las dos, dejándose hacer o inconsciente, desprovisto de autonomía. La tercera de las chicas, al lado de la ventana, sin atreverse a acercarse, tiene las manos enlazadas como si estuviese pronunciando algún tipo de súplica interna o quizá con los puños enfrentados, en tensión, esperando algún desenlace.

¿Lo están vistiendo o desvistiendo? ¿La niña de la ventana, también con una sonrisa dibujada, está rezando o está disfrutando de la escena?

La escena parece transmitir una desasosegante sensación de pecado, de incesto. Y el efecto siniestro se multiplica por las sombras del suelo, que también confunden, pues no sabemos si amanece o atardece.


morning toilette (Lotte Laserstein, 1930)

9 Juny 2019


Lotte Laserstein es considerada una de las pintores realistas alemanas más importantes de la República de Weimar. Después de haber terminado sus estudios en la Academia de Bellas Artes en 1927, se hizo rápidamente un nombre en la multifacética escena artística de Berlín. Sin embargo, su prometedora carrera terminó abruptamente cuando los nazis tomaron el poder en 1933. En 1937, Laserstein emigró a Suecia, donde permaneció por el resto de su vida.

Como artista femenina independiente en Alemania durante la década de 1920, el trabajo de Laserstein incorporó una gama de temas metropolitanos, como la moda de Neue Fraus, jugadores de tenis, periodistas, un motociclista en sus pieles, a menudo en entornos urbanos. Como pintora, fue decisiva marcadora, combinando típicamente un naturalismo lineal de bordes duros con una paleta de tonos apagados, y mediante esta combinación articuló una sinceridad, tranquila, reflexiva, cerebral, que incluso para un público contemporáneo es sorprendente y lleno de matices.

Muchos de los temas de Laserstein están de acuerdo con las costumbres artísticas de la época, siguiendo a artistas como Otto Dix, Christian Shad y Rudolf Schlichter en la exploración de las tensiones urbanas de la Alemania moderna.

Como artista femenina, no puede haber ninguna duda de que muchas de sus obras exploran cuestiones actuales de identidad femenina y la estructura cambiante de la sociedad en la que vivía.

Lotte Laserstein conoció a Traute Rose durante la década de 1920. Una talentosa atleta, Rose se convirtió en la entrenadora de tenis del artista y, más tarde, en su modelo favorita, capaz de mantener posturas difíciles durante un período prolongado de tiempo.

En su estilo directo, sobrio y poco favorecedor, este trabajo ejemplifica el realismo alemán. Aunque presenta la figura desnuda de tamaño natural de una mujer en su tocador, un tema venerable en todo el arte occidental y japonés, Morning Toilette (1930) exhibe muy poco de la sensualidad asociada generalmente con este tema.

Laserstein representa a la nueva mujer físicamente poderosa e independiente.

A fines de la década de 1930 Laserstein conoció a Margarete Jaraczewsky, llamada Madeleine. La atractiva joven se hizo amiga íntima de Lotte y, finalmente, su modelo sueco favorito. Incluso si la amistad entre las dos mujeres no era tan intensa como la de Lotte Laserstein y su amiga y musa de Berlín Traute Rose, dio lugar a numerosos retratos, estudios de desnudos refinados y escenas de pintor y modelos intensos.

No cabe duda de que Madeleine es también el modelo en la pintura Desnuda, sentada en una silla. Este estudio delicadamente pintado fue probablemente ejecutado a principios de la década de 1940. Esto se indica no solo por la escritura a mano de la firma, sino también por el sensible trabajo que Laserstein realiza aquí magistralmente.

Las poderosas pinceladas vívidas que utiliza Laserstein aquí tanto para dibujar los alrededores como para aportar una luz tenue a la escena, forman un contraste perfecto con la postura tranquila y sensible de la modelo.


los tres enigmas gloriosos de Gala (Dali, 1982)

6 Juny 2019


El pintor que aborda a la perfección el tema propuesto del artista y su modelo es Salvador Dalí (1904-1989), pieza clave en el movimiento surrealista. Su excentricidad, imaginación, rarezas y afán de grandeza marcarán un estilo totalmente personal característico de todas sus obras y que no dejó a nadie indiferente.

El primer encuentro con Helena Diakonova (Gala) se produjo en 1929 y desde entonces Dalí quedo completamente enamorado de ella. Gala se separó de su por aquel entonces marido, Paul Eluar, y contrajo matrimonio con el artista, pasando a ser su fuente de inspiración y lo más importante de su vida.

Gala nada tenía que ver con las mujeres de su época, moderna, con un carácter fuerte, ideas claras, amante del amor liberal y creativa, quizás eso fue el motivo que produjo tal obsesión en Dalí, aunque como comento en varias ocasiones ella encarnaba la figura de la mujer de sus sueños infantiles.

Los tres enigmas gloriosos de Gala fue pintado el mismo año de la muerte de su esposa Gala. Algunos historiadores apuntan a que este conmovedor homenaje aludía a los tres periodos de su carrera al lado de la que fuera su musa y compañera de vida.

Las tres formas escultóricas que se repiten en el lienzo se asemejan a balaustradas gaudinianas, pero se asientan en el espacio con la clásica placidez de tres formas que, alejándose, se repliegan en sí mismas sobre el plano. Pero esta quietud es falsa; al girar noventa grados la pintura surrealismo desemboca en expresionismo y los perfiles devienen dramáticos, violentos, obsesivos… Por otra parte, la extensión plana e infinita es algo habitual en Dalí y transmite un sosiego intranquilo, irreal.

El tema de una cabeza de perfil, vuelta hacia el suelo, es recurrente en Dali desde los años veinte. Tiene su origen en una peña del cabo de Creus y en una fotografía anterior a 1927 que Dalí hizo a Federico García Lorca en la playa de El Llané, de Cadaqués. En esta fotografía, el poeta, tendido sobre la arena, aparece con la cabeza vuelta hacia el suelo.


El tema de esta pintura, “Rostro paranoico” (1935) puede ser tanto un paisaje que muestra un poblado africano, con varias figuras en torno a una construcción cupuliforme, como un rostro humano, mucho más evidente si se gira la imagen noventa grados hacia la derecha.


mujer perro (Paula Rego, 1994)

3 Juny 2019


“En estas pinturas toda mujer es una mujer-perro, no oprimida, sino poderosa. Está bien ser bestial. Es físico. Comer, gruñir, aquellas las actividades que tienen que ver con lo sensible, son positivas. Pintar a una mujer como perro es completamente creíble.”

(Paula Rego)

Esta es una de las pinturas de Rego que corresponde a una serie sobre mujeres-perro. Con esta serie Paula quería denunciar la situación de la mujer, embrutecida por las tareas domésticas, sometida al servicio de su amo hombre. Pero va más allá de una reivindicación feminista; es una reflexión sobre las relaciones de poder que pueden darse en cualquier ámbito y situación en nuestra sociedad.

La mujer representada es poderosa, brutal en su animalidad rabiosa, de mandíbulas dislocadas en una mueca que parece estar emitiendo un furioso sonido gutural, un doloroso rugido que nace de las entrañas como una rebelión de deseos no expresados, reprimidos. La posición del cuerpo es servil, incómoda e infrahumana, pero llena de violencia contenida. Las piernas están algo deformadas, acortadas y engrosadas para animalizarlas. Las manos, apoyadas en el suelo, mantienen cierta tensión y rigidez de garras, como las de una bestia que estuviera dispuesta a saltar.

El poder de las imágenes proviene de la yuxtaposición de lo doméstico con lo salvaje.


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