la brecha de Viznar (José Guerrero, 1966)

18 Agost 2019


La Brecha de Viznar (1966) es un sentido homenaje del pintor granadino, José Guerrero (1914-1991), a Federico García Lorca al que conoció en su primera juventud y quien lo animó a salir de Granada, “tira los pinceles al aire y vete a Madrid”, le dijo en una ocasión estando en la Alhambra en 1935. Ahí se inicia el trayecto que lo llevará hasta instalarse en EE UU y llegar a formar parte de la Escuela de Nueva York, máxima representante del expresionismo abstracto.

Alegoría en ocres, grises, rojos y negros, del asesinato de Federico García Lorca y que es la imagen de una herida que sangra. Es un acercamiento al lugar de la tragedia. Dos lindes profundas y diagonales, formadas por la confrontación entre un blanco de fulgor astral y un negro “vivo y transparente”, cizallan un abismo oscuro. En ese barranco nocturno y tenebroso aconteció un hecho abominable; tierra del barranco amalgamada con sangre. Los triángulos que forma el blanco con levísimos reflejos purpúreos se clavan sobre la tierra negra.

Tierra que resume toda la noche negra en la que se sumió España en el año 1936. En el vértice incisivo un borbotón rojo de sangre simboliza la herida abierta.


El mundo lorquiano, con la tragedia de los gitanos y la pena negra andaluza, ha inspirado la primera etapa de la pintura de Guerrero, en los años de la posguerra. En 1946, Guerrero pintaba La aparición, un cuadro mágico y algo naïf, una escena de velatorio, con las mujeres enlutadas, junto al difunto tendido en el suelo, con cruces negras, extrañas flores en la hierba, y extraños astros y ángeles o aves en el cielo enrojecido. El cuadro se asocia con facilidad al mundo oscuro, supersticioso de las tragedias de Lorca.


nubes de verano (Nolde, 1913)

16 Agost 2019


Emil Nolde pintó Nubes de verano en 1913, el mismo año en que partió hacia las lejanas islas del Pacífico Sur acompañando a la expedición antropológica de Kutz-Leber, que tenía como misión estudiar las gentes de Nueva Guinea. Durante el trayecto a través de Rusia, Siberia y Manchuria realizó numerosos apuntes y algunas pinturas.

Para Nolde, un artista que siempre vivió a orillas o cerca del Báltico, el mar fue siempre un sugerente motivo de inspiración. Su estado cambiante tenía para él un fuerte contenido simbólico y pintó el mar en múltiples ocasiones a lo largo de su carrera. Este paisaje marino, pintado con un grueso empaste de pinceladas vigorosas y un potente colorido, está protagonizado por unas amenazadoras nubes cuyo progresivo ennegrecimiento, que anuncia una intensa tormenta sobre un mar agitado, acrecienta la tensión de la obra.


La composición de Puente en la marisma (1910) está presidida por el escorzo del camino que arranca del primer plano, continúa por el puente y desciende y se pierde. Las líneas convergentes que marcan este camino imponen un acceso en ascenso del paisaje representado. Las barandas blancas del puente que da título al cuadro destacan cromáticamente.

Al otro lado del puente se distingue una mancha oscura, de trazo vertical, que puede identificarse con una figura humana, probablemente de espaldas, que ha recorrido el camino.

Un cielo encapotado ha traído lluvias que no se han aquietado del todo, a juzgar por la agitación y el color de las nubes. El espectáculo del cielo, al condensar tanta energía en potencia, es motivo muy destacado en el cuadro; a su movimiento responde, como un reflejo, la superficie del camino, sacudida por manchas de color y trazos vibrantes.


la Verdad saliendo del pozo (Gerôme, 1896)

12 Agost 2019


“Algún día la verdad saldrá del pozo para fustigar a los mentirosos”

(Demócrito)

Para representar alegóricamente a la verdad, el pintor más importante del academicismo francés plasma en este maravilloso lienzo el hermoso cuerpo desnudo de una joven que sale de las profundidades de un pozo. Lógicamente, la verdad debe representarse desnuda (o como mucho con velos transparentes). La verdad no debe ocultar nada.

Como vemos, la mujer sale gritando de su pozo, en clara actitud beligerante. Gerôme la pinta con un látigo en la mano, extraño accesorio que sólo podemos interpretar como instrumento de castigo para los que la insultan.

En definitiva: Algún día la verdad, harta de la oscuridad, saldrá al fin del pozo y fustigará a los mentirosos.

“Cuenta la leyenda, que un día la verdad y la mentira se cruzaron.
-Buen día. Dijo la mentira.
-Buenos días. Contestó la verdad.
-Hermoso día. Dijo la mentira.
Entonces la verdad se asomó para ver si era cierto. Lo era.
-Hermoso día. Dijo entonces la verdad.
-Aún más hermoso está el lago. Dijo la mentira.
Entonces la verdad miró hacia el lago y vio que la mentira decía la verdad y asintió.
Corrió la mentira hacia el agua y dijo… -El agua está aún más hermosa. Nademos.
La verdad tocó el agua con sus dedos y realmente estaba hermosa y confió en la mentira.
Ambas se sacaron las ropas y nadaron tranquilas.
Un rato después salió la mentira, se vistió con las ropas de la verdad y se fue.
La verdad, incapaz de vestirse con las ropas de la mentira comenzó a caminar sin ropas y todos se horrorizaban al verla.
Es así como aún hoy en día la gente prefiere aceptar la mentira disfrazada de verdad y no la verdad al desnudo.”


casamiento indio (Alfredo Ramos Martinez, 1931)

11 Agost 2019


De Casamiento indio hay dos versiones y ambas parecen haber sido pintados casi al mismo tiempo; a uno de ellos se le adjudica la posible fecha de 1931, mientras que el otro se supone de 1934. Difieren ligeramente en las medidas y en ciertos elementos complementarios y en la posición de los personajes. Ambas piezas fueron trabajadas en Los Ángeles, a donde Ramos Martínez llegó el 5 de mayo de 1929 con su esposa María Sodi (se habían casado en 1928) y su hija, quien debía ser sometida a tratamiento por una enfermedad congénita en los huesos. Tenía 58 años de edad y viviría en la agitada ciudad californiana hasta 1946, año de su fallecimiento.

La imagen muestra a una pareja de dorada piel y marcados rasgos indígenas. Al fondo de la composición y como una armonía cromática destacable se observan diversos frutos tropicales. La dignidad de las miradas se acentúa gracias a las líneas diagonales que conforman las cejas. Los personajes se toman de las manos, gesto que acentúa la unión de la pareja.

Alfredo Ramos Martínez (1871-1946), el “pintor de las melancolías” es un artista mexicano.

Lo más destacado de su obra está constituido por retratos, pinturas de flores y murales.

Juanita entre las flores es una obra que el artista realizó antes de 1930. Se aprecia con claridad la influencia de Gauguin. La mujer aparece rodeada de un paisaje florar idílico. Los colores vibrantes no son naturalistas y se conjugan armónicamente para enmarcar la figura de juanita que sostiene entre sus manos un manojo de flores rosas.

La pintura evoca el sentimiento romántico que fue característico de las obras correspondientes con el primer periodo de vanguardia y alude claramente a los pueblos antiguos.


el barco-estudio (Monet, 1876)

7 Agost 2019


Cuando Manet y Renoir llegaron a Argenteuil en el verano de 1874 se sorprendieron del estudio que empleaba Monet; era un barco que había adaptado como taller con el que recorría diversos parajes del río Sena, parándose donde más le interesara.


El pequeño barco protagoniza este lienzo, anclado en el centro de la imagen, apreciándose tras él un soberbio bosque conseguido a través de rápidos toques de pincel que semejan manchas y que eliminan toda referencia a las formas. Los reflejos de los diferentes elementos proyectados en el agua hacen de esta escena una de las más atractivas del pintor, recogiendo la iluminación del atardecer, una de sus favoritas. Las sombras malvas se aprecian claramente en los árboles del fondo, donde destaca una pequeña mancha rojiza que otorga mayor vivacidad al conjunto.


Esta obra, “Monet y su esposa en su estudio flotante” (1874) supone un emotivo homenaje de Manet a su amigo Claude Monet, con quien se relacionó estrechamente en el verano de 1874. Monet llevaba viviendo tres años en Argenteuil, porque era más barato que París y estaba más en contacto con la naturaleza. A bordo de un barquito recorría las orillas del Sena para buscar los paisajes que más le interesaran. Este estudio flotante llamó mucho la atención de Manet y aparece como elemento protagonista de esta escena. Monet se presenta pintando un paisaje directamente del natural, siguiendo la filosofía impresionista de captación de lo momentáneo. Refugiada bajo el toldillo del estudio flotante está Camille, la esposa de Monet. Al fondo se contemplan las chimeneas de Argenteuil, omitidas en el cuadrito que pinta Monet para ser de esta manera más pintoresco. Sin duda, ésta es la obra de Manet en la que se aprecia un mayor acercamiento a los planteamientos impresionistas. El empleo de tonalidades más claras que de costumbre, la pincelada rápida y suelta, y el deseo de captar la luz natural indican un importante cambio en el estilo del maestro. Mas aún, existe una fuerte dependencia del color negro, casi repudiado por los artistas de este nuevo movimiento. Las dimensiones del lienzo indican que se realizó en el estudio, a pesar de la técnica libre empleada.


sailors and floozies (Paul Cadmus, 1938)

3 Agost 2019


La pintura “Sailors and Floozies” (1938) representa marineros en Riverside Park. Tres marineros se encuentran con sus amigas y hay basura y basura a su alrededor. La pintura fue muy controvertida en su día. Un cuarto marinero aparece sentado cabizbajo en un banco, triste y derrotado. Muchos críticos consideraron la obra “cutre, repulsiva y antipatriótica” porque representaba a los marineros borrachos en los albores de la Segunda Guerra Mundial.

Paul Cadmus (New York, 1904-1999) fue un destacado pintor americano creador de una obra muy cuidada, que se ha inscrito dentro de un estilo denominado realismo pictórico. Su condición homosexual inspiró una obra con un fuerte contenido homoerótico pero también social. Una pintura pulcra, colorista, que se vale de un fuerte conocimiento de la pintura clásica europea y en la que utiliza la técnica renacentista del temple al huevo. Todo ello le ha valido un reconocimiento general más allá de los grupos LGTB que siempre lo han considerado un pintor emblemático.

Las obras coloristas y sugerentes de Cadmus ofrecieron el contrapunto de mágico realismo a la estética del momento, extraña y geométrica.

Las obras de Cadmus, plagadas de satírica inocencia, reflejan un mundo de hedonismo, provocativo y desenfadado, celebrando el amor –a veces entre hombres- con inusitada domesticidad. Siempre cercano a la ilustración, donde se formó como artista, sus pinturas fueron evolucionando hacia un realismo mágico más preciso y menos caricaturizado.

“Shore Leave” (1933) presenta el desenfreno de los marineros pero sin la carga de virulencia y lascivia de otras posteriores. Además, la representación de las figuras es más amable y festiva, dando volumen a los cuerpos. En primer plano aparecen restos de comida y una botella vacía; las amigas de los marineros sonríen.

En “The Fleet’s Inn!” (1934) se representa la escena de una juerga entre marineros y prostitutas, de entre los que sobresale al fondo a la izquierda una pareja masculina, que sugiere un intercambio entre un gentleman bien vestido con corbata roja -código homosexual de los años veinte- y un marinero que le ofrece un cigarrillo.


la Madonna de Port-LLigat (Dali, 1958)

31 Juliol 2019


En el cuadro aparece una virgen o Madonna con el rostro de Gala, la mujer del pintor, con el niño Jesús en su regazo. La Madonna tiene una abertura rectangular en su tronco y delante de éste está el niño Jesús, el cual también tiene una abertura en su tórax, donde a su vez hay un trozo de pan. Dalí describe esto como «un tabernáculo en el cuerpo de Jesús que contiene el pan sagrado».
Los dos personajes están encima de un pedestal y bajo un arco. Los diversos elementos del cuadro aparecen sin tocarse unos con otros.

En la parte superior del cuadro se encuentra una concha de la cual cuelga un hilo que sostiene un huevo. Estos objetos son para Dalí símbolos de la vida y lo más parecido a la perfección euclidiana. El arco blanco que se sitúa sobre Gala permanece dividido en cuatro partes. Junto a la cabeza de la Madonna están dos bajorrelieves ornamentales que tienen a su vez dos esferas pequeñas flotando.

Junto a Gala hay dos mesas de madera. Destacan junto a uno de los muebles, un caracol de mar y una cesta con un pan. El pedestal tiene diversos símbolos importantes para Dalí. Sobre este están situados, de izquierda a derecha, un trapo, una abolladura, una flor blanca deshojada y otra floreciente. El pescado, dos judías o frijoles y un cesto. El pedestal tiene una abertura frontal dividida en tres partes. En la parte izquierda hay un rinoceronte dividido en varias partes, en el centro un huevo escoltado por cuatro piezas y a la derecha una especie de busto que sufre una explosión en su cara y flota como si no hubiese gravedad.
Hay un fondo muy claro con el paisaje flotante donde Gala está representada en diversas posiciones vestida de novia. Al final, como si fuese una escena teatral, Dalí pinta en los extremos superiores dos telones.

Muchas de las imágenes que aparecen en el cuadro han sido pintadas ya numerosas veces por el artista, como Gala, que aparece aquí dos veces pintada con un vestido de novia, la bahía de Portlligat, el pez, las conchas y el trozo de corcho colgado del clavo. Otras constituyen el inicio de futuras obsesiones, como el rinoceronte con el cuerno roto que considera un símbolo de castidad.


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