el cristo rojo (Lovis Corinth, 1922)

El Cristo Rojo muestra una escena de crucifixión, con el cuerpo de Jesucristo en el centro de la imagen desplazado ligeramente hacia el borde izquierdo de la imagen. No se ven ni las manos ni la barra horizontal de la cruz. Los pies y la rodilla derecha tocan el borde inferior de la imagen. Según Sonja de Puinef, el cuerpo de Cristo sufriente “domina y revienta” la composición “con las manos sobresaliendo del marco”. El cuerpo inclinado hacia la izquierda en la dirección del espectador cuelga de la cruz con los brazos extendidos y las rodillas dobladas. La cabeza con la corona de espinas cayó de costado sobre su hombro izquierdo. Los ojos miran hacia adelante y, por lo tanto, en la dirección del espectador. El cuerpo desnudo y sangrante está mayormente de blanco. Un taparrabos cubre su desnudez. La cruz solo se puede ver en la parte inferior de la imagen. En la parte superior del cuadro está eclipsado por el sol; su travesaño está fuera de la imagen. El espectador solo puede adivinar cómo y si el cuerpo está arreglado.

Debajo del pecho izquierdo del Crucificado, un hombre de pie en la esquina inferior izquierda de la imagen clava una lanza en el cuerpo; la sangre sale a borbotones de la herida hacia el cuerpo. El hombre es probablemente Longinus, mencionado en la Biblia, el soldado romano que se dice que apuñaló a Jesús en el costado con una lanza después de que Jesús murió. Sobre la persona hay otras dos figuras que representan al Apóstol Juan ya la Virgen María. Juan, vestido con una túnica roja, está ligeramente desplazado detrás de la inconsciente María con la túnica azul. A la derecha hay otra figura, sentada sobre un bastón largo, una rama de hisopo, tendiendo a Jesús una esponja que, según el Evangelio de Juan, está empapada en vinagre. Todos los personajes, a excepción de la inconsciente María, se enfrentan al cuerpo colgado desde sus respectivas posiciones.

Una composición de tres partes forma el fondo. Si bien hay otras tres personas en el campo a la izquierda del cadáver, el paisaje de la derecha no está claro y solo aparece una persona en el área inferior. La imagen muestra un paisaje marino en lugar del monte Gólgota, donde se dice que tuvo lugar la crucifixión según el Nuevo Testamento. La línea del horizonte está a la altura del pecho del cuerpo crucificado, sobre ella está el cielo y en el tercer tramo entre los brazos extendidos se muestra el sol con acentuados rayos de sol. El cielo, así como el lago y el sol, se entremezclan con el color rojo, lo que crea una impresión de crepúsculo.

Corinth pintó el cuadro “siguiendo la tradición de los retablos sobre madera de los antiguos pintores alemanes y holandeses”. 

Descendimiento de la cruz (1895) es un enfoque completamente moderno de este tema clásico, en su encuadre, composición y rostros. Su vista recortada de cerca sugiere la influencia de la fotografía, y los rostros que se muestran parecen contemporáneos y en absoluto históricos. Estos se combinan para darle la inmediatez de un evento actual, en lugar de algo que sucedió hace casi dos milenios. Corinth volvió al tema de la Deposición y al tema de la Crucifixión en muchas de sus pinturas. Muestra la tradicional estación de la cruz conmemorativa la bajada del cuerpo muerto de Cristo de la cruz, a la que asistieron José de Arimatea y María Magdalena.

Entre 1896 y 1906 el alemán Lovis Corinth reflejó el Descendimiento con su peculiar técnica derivada del impresionismo. La primera obra sigue en la línea expresionista y trágica de su Crucifixión. La segunda sorprende por una composición inédita, que habla por sí sola.

Siguiendo sus pinturas anteriores de la Deposición (o Descenso de la cruz), Corinth se acercó aún más a la dura realidad en El gran martirio (1907). Tomando aquí el ejemplo de un hombre común siendo crucificado, secularizó la imagen y la colocó en un contexto histórico vívido. Esto deja en claro la crueldad inhumana de la crucifixión.

Corinth continuó explorando la Pasión de Cristo en términos muy reales, en su Cristo cargando la cruz (1909).

Aunque contiene la mayoría de los elementos habituales que se ven en las representaciones tradicionales, su lenguaje es contemporáneo, casi secular. Dos hombres, uno de ellos aparentemente africano, ayudan a Cristo a llevar su carga agotadora, mientras un par de soldados lo azotan y lo amenazan con sus lanzas. Un tercer soldado controla a la multitud en la parte superior izquierda, y detrás hay un soldado montado y uno de los discípulos.

Corinth pintó Ecce Homo (1925) como un acto de meditación para marcar el festival. Muestra el momento en que Pilato presenta a Cristo a la multitud hostil, justo antes de la crucifixión. Cristo ha sido azotado, atado y coronado de espinas, y las palabras de Pilato se citan de la traducción de la Vulgata, que significa he aquí, el hombre.

De acuerdo con sus interpretaciones contemporáneas anteriores de las escenas de la Pasión, Pilato (izquierda) se muestra como un hombre mayor con una bata blanca, y el soldado (derecha) lleva una armadura. Corinto completó esto en cuatro días.

Esta pintura en 1937 fue condenada por el partido nazi como arte degenerado. Afortunadamente escapó de la destrucción cuando fue comprado por el museo de arte de Basilea en 1939.