Un diálogo sobre la muerte donde los espectadores no tienen ninguna posibilidad de dejar vagar su mirada y su mente. Estamos paralizados, arrastrados a un diálogo sobre lo ineludible, lo sin sentido, y si nuestra mirada intenta desviar la mirada, es encontrada y detenida por el gran ataúd oscuro a la izquierda. La combinación de colores es oscura y sombría, y cada elemento de la imagen sirve para acentuar y transmitir la sensación de total impotencia en esta sala de espera de la Muerte.
Suspendida entre la vida torturada y la liberación de la muerte, esta pintura es un testimonio muy personal de la visión del mundo de Ejnar Nielsen, que no incluía a Dios. En el universo de Ejnar Nielsen, el hombre es abandonado a su suerte; debemos afrontar el destino aleatorio que nos ha tocado a todos, manejarlo lo mejor que podamos y encontrar la belleza en nuestras vidas a pesar de todo. Una dolorosa comprensión que fue una característica particular del cambio de siglo, pero que aparece en su forma más cruda y honesta en el arte de Ejnar Nielsen.
Con toda probabilidad quien agoniza padecía tuberculosis, una enfermedad que se cobró especialmente muchas víctimas entre los contemporáneos de Ejnar Nielsen en la década de 1890, un hecho que podría explicar la comprensión comprensiva y la fascinación por la muerte que caracteriza esta imagen.
“La muerte sirve a la vida y la vida sirve a la muerte. No puedo entender por qué la gente no puede ver la muerte con su majestuosa belleza como ven la vida” (E, Nielsen).
Pero no hay nada majestuoso en el sufrimiento terminal de The Sick Girl (1896).
Este retrato fuerte y silencioso de Ane Dorthea Kristensen, una joven de 20 años, no embellece nada. En el triste óleo predominan los tonos tierra polvorientos, donde el estado de ánimo melancólico gira especialmente en torno a su enfermedad y muerte inminente, mientras ella es fuertemente devorada por la tuberculosis. Era una enfermedad incurable en ese momento y murió al año siguiente. Fueron las condiciones de vida las que fueron representadas con sobriedad en un estilo duramente realista.
Está en una habitación vacía, justo encima de la estufa para darle algo de calor a su cuerpo pelado. En el borde de la cama de hierro yace la mano delgada y huesuda sin fuerza vital. Ella no puede hacer nada, sólo esperar la muerte graciosa. En cierto sentido, se puede decir que la pared vacía es una imagen de su vida. Debería haber sido una joven vibrante a punto de salir de la vida, en lugar de una sombra a punto de salir de la vida.
El joven pintor Ejner Nielsen acababa de terminar sus estudios en la escuela de pintura de Zartmann en 1896 y se destacó como una de las principales figuras del simbolismo en el arte danés. El artista pintó una serie de imágenes sombrías de personas en el límite entre la vida y la muerte, mientras durante un largo período se instaló entre la población rural pobre de la pequeña ciudad de Gjern, cerca de Silkeborg.
De todos los artistas daneses activos alrededor del año 1900, Ejnar Nielsen (1872-1956) es quien respondió de manera más directa y directa a temas fundamentalmente existenciales, aunque en ese momento tabú, como la enfermedad, la pobreza, la discapacidad, la soledad, la vida y la muerte. Sus obras que datan de sus años en el pueblo de Gjern, en el centro de Jutlandia, por el que abandonó Copenhague cuando era un joven artista en 1894, muestran un enfoque particular en estos temas. Aquí pintó cementerios, jóvenes con enfermedades terminales y tuberculosis, escenas funerarias ambientadas en bellos paisajes, ataúdes y escenas del infierno. Sus pinturas monumentales a menudo están pobladas por individuos que rara vez encuentran su camino en el arte: personas ciegas, pobres, enfermos y personas cuyas vidas están relegadas a los márgenes de la sociedad.
En A Blind Girl Reading (1905) evoca lo invisible: cómo las impresiones táctiles de los dedos al recorrer las pequeñas protuberancias de la página evocan en la mente del lector ciego imágenes, impresiones e historias. Ver cómo la niña, que suele estar envuelta en la oscuridad, se ilumina con el brillo de las páginas de un libro… qué sensibilidad… y qué hermosa metáfora de lo que le sucede a un lector.
Ejnar Nielsen ha sido apodado el “pintor de la muerte”, y sus primeras obras han sido denominadas su “historial médico de Gjern”. Sin embargo, debajo de la superficie aparentemente desolada, la esperanza, la luz y la vida yacen listas para brotar. El interés del artista por las flores y las plantas se arraiga incluso en los temas más tenues, y en sus retratos la luz parece fluir desde el interior de las figuras como manifestaciones de su fuerza vital inherente. Su arte se erige como un memento mori moderno, un recordatorio de que debemos recordar vivir, sentir, amar y ser mientras estemos aquí.
En el arte de Ejnar Nielsen se une la tradición del realismo social con las tendencias de los años 1890 al simbolismo, la estilización y la monumentalización. En su gama de colores predominan los tonos grises, lo cual muestra su familiaridad con el arte de Hammershøi, pero en Nielsen la descripción de los temas es más ascética, menos sensible y menos material.
Nielsen fue alumno en la Academia de Arte en Copenhague de 1889 a 1893 y de la Escuela Libre de Estudios para Artistas, bajo la instrucción de Kristian Zahrtmann, en 1895 y 1896. Sin embargo, en su desarrollo como artista un elemento muy decisivo fue su estancia durante 1894, en el apartado pueblo de Gjern, en Jutlandia, donde llegó a vivir en estrecha relación con la población local. Sus temas artísticos se inspiraron de aspectos de la vida de los modestos campesinos, sobre todo, en cuanto a la elucidación de la vida por la muerte. En algunos cuadros impregnados de un realismo agobiante, el artista pintó jóvenes marcados por la muerte, pero que serenamente han aceptado su destino, y la muerte parece como una conclusión natural de las penas de la vida. Empero, también pintó cuadros de personas que a pesar de graves impedimentos pudieron encontrar puntos luminosos en la existencia. Nielsen estuvo por primera vez en París de 1900 a 1901, en donde fue profundamente influido por el arte de Puvis de Chavannes; al año siguiente estuvo en Italia donde se dejó influir sobre todo por Andrea del Castagno.
En la imagen Paisaje de Gjern se contempla el paisaje de Jutlandia con sus colinas y campos cambiantes, interrumpidos por pequeños grupos de árboles oscuros.
Podría describirse como idílico, pero en el mundo pictórico de Ejnar Nielsen reina un silencio aplastante. El cielo está vagamente gris, el paisaje parece helado y no aparece ninguna señal de vida. Ejnar Nielsen permite que el paisaje se convierta en un símbolo de las duras condiciones de vida de la región, dotándolo de una atmósfera de grandeza y abandono a partes iguales.
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