mi obra maestra (Gaston Duprat, 2018)

Sinopsis: Arturo es un galerista encantador e inescrupuloso. Renzo es un pintor hosco y en decadencia. Si bien los une una vieja amistad, no coinciden en (casi) nada. El galerista intenta por todos los medios reflotar la carrera artística de su amigo, pero las cosas van de mal en peor. Hasta que una idea loca y extrema aparece como una posible solución.

Mi obra maestra’ continúa con la visión ácida e irónica sobre los intelectuales argentinos, mostrando un interesante enfoque sobre la burguesía que se mueve en ambientes artísticos, volviendo a hacer una dura crítica a lo banal de la vida cultural.

“Por que trabajan? ¿Para comprar cosas? La esclavitud no se terminó, ahora se llama trabajo… Este lugar no tiene solución… Porque si un país entero apoya el culo en un sillón frente al TV para ver a 22 millonarios detrás de una pelota no hay esperanza”

(Renzo Nervi)

El filme está definido, a grandes rasgos, en tres partes claramente identificables. En el principio, y tomándose el tiempo necesario, se presenta a los personajes en base a un tipo de contrapunto que va de la mano con la comedia costumbrista. Al promediar la historia se van desarrollando los conflictos más importantes, ya en un tono bastante más sombrío, mientras que en el último cuarto, ya cercano al final, alguna vuelta de tuerca reflexiva e irónica trae consigo una cuota de frescura y redención.

“La sátira de los Duprat no es a una especie concreta de personas, es al hombre en general, a la sociedad argentina del siglo XXI. Si bien, al mismo tiempo, la película está impregnada de valores como la amistad y la lealtad. Los dos amigos discuten, se enfadan, se separan… pero a fin de cuentas nunca dejan de ser amigos por encima de todo y de todos. La sátira de los hermanos Duprat es dura pero no desesperanzada.

El trabajo actoral de los dos protagonistas es excelente y Raúl Arévalo está muy correcto en un papel nada fácil, de ingenuo imbuido de «buenismo», actitud que los Duprat no dejan de ridiculizar a su vez. Mi obra maestra es una película entretenida y divertida, que encierra, escondido, el buen sabor de las relaciones humanas valiosas y sugiere un interesante tema para reflexionar.” (Mª Angeles Almacellas)

Más información en:

http://www.elespectadorimaginario.com/mi-obra-maestra/

http://www.micropsiacine.com/2018/08/estrenos-critica-de-mi-obra-maestra-de-gaston-duprat/

 

Columbus (Kagonada, 2017)

Sinopsis: Jin, un hombre coreano, se encuentra en Columbus, Indiana, para cuidar de su padre, un famoso arquitecto que está en coma. En esta ciudad conoce a Casey, una joven que cuida de su madre, adicta a las drogas que se encuentra en periodo de rehabilitación. Ambos lucharán por el mismo sueño que han visto truncado: tener la libertad para poder seguir su camino a pesar de los problemas de sus padres.

Casey tiene edad para ir a la universidad, pero en estos momentos se encuentra trabajando en la biblioteca local y cuidando a su madre (Michelle Forbes), una adicta a la recuperación de la metanfetamina. La película, siempre paciente, lleva su tiempo introduciéndonos en su rutina diaria, justo antes de encontrarse con el otro personaje crucial, Jin, que está de visita en Corea porque su padre, un teórico de la arquitectura en la que es una auténtica eminencia, se halla en su lecho de muerte.

“Columbus es un canto de amor a Ozu, con aires renovados y un halo existencial que nos recuerdan también al cine de Antonioni; una exposición poética de una ciudad sencilla – como hizo Jarmusch con la magnífica Paterson y la poesía – y una relación amistosa entre dos desconocidos que les permite ver el paso vital a realizar” (José Asensio)

“Columbus es el escenario concreto y por tanto le da título a su ópera prima ¿y por qué ese nombre? Porque es la ciudad que concentra la mayor cantidad de arquitectura modernista americana.

Columbus es un trabajo minimalista, es una película pausada, elegante y muy medida, todo el largometraje son planos fotográficos, en todos hay un punto central que reina en el plano y una simetría, destaca su color y su meticulosidad, es concienzuda, hipnótica, ensalza la perspectiva, y es un alegato a la arquitectura y al amor por las líneas. La cámara está fija en un punto, solo se mueven los personajes, el espectador está paseando por una exposición fotográfica y en numerosos planos Kogonada nos hace ver la escena detrás del umbral de las puertas, a veces mete a sus personajes en tres estancias y la vemos desde la última.

Sus dos personajes Haley Lu Richardson y Parker Posey son un regalo de Kogonada, rápido se ve esa conexión entre ellos. su nexo; la arquitectura, ella amante de los edificios de su ciudad y él hijo de un importante arquitecto coreano. Ella es una joven de dieciocho años talentosa e inteligente con un futuro universitario prometedor, pero le puede más la responsabilidad de cuidar a su madre, ex adicta a las drogas y por tanto sacrifica su vida por el cuidado de su madre, él está varado en Columbus al cuidado de su padre que sufre un desvanecimiento y está en coma.

Los dos personajes se desnudarán emocionalmente en ese bello decorado lleno de simetría. Sus actuaciones son de una gran claridad, cristalinas, melódicas.

Destaca su sencillez y naturalidad, llena de emociones, con silencios medidos. Es una ambrosía para paladares exquisitos, es inteligente, choca la contrariedad entre la frialdad de la arquitectura y la calidez de los personajes, es ese tipo de películas que quieres recomendar a una persona especial amante del arte y con grandes dosis de sensibilidad, que sabes que le va a sacar un rendimiento, un partido para llenar tertulias. Columbus no tardará en ser una obra de culto” (Antonio Arenas)

“Las conexiones cerebrales por las que unas imágenes te llevan a otras no son fáciles de explicar, y en ocasiones ni tan siquiera obedecen a la racionalidad, sino al sentimiento, a la sensación. Ocurre lo mismo con las razones por las que Cassey y Jin conectan en medio de un entorno urbano neutro, que nada les aporta pero en el que se ven obligados a estar y esperar, una especie de limbo vital donde el tiempo queda suspendido, pero durante el que, sin ellos intuirlo inicialmente, en su interior, se produce un cambio necesario para poder superar una vida estancada. Puede no ser justo ni acertado iniciar un comentario sobre una película llamada a llenar páginas de publicaciones y post virtuales señalando que el desarrollo de Columbus mantiene el mismo ritmo, la misma semejanza vital, el mismo recorrido sentimental que el que se pudo ver hace un año con el Paterson de Jarmusch. Si en la película de Jarmusch el avance existencial se producía a fuerza de repeticiones con variación mínima, en la primera obra de Kogonada el avance se produce gracias a la repetición de espacios y conversaciones donde va entretejiéndose, paulatina y gradualmente, una relación de confianza que surge, de manera ocasional a través de un cigarrillo (como una resonancia del Coffee and Cigarettes del propio Jarmusch). Es la sensación de asistir a la vida lo que hace grande una película que, no obstante, juega con unas cartas muy marcadas en el diseño formal para hacer de cada escena, de cada encuadre, de cada fotograma, un ejemplo de perfección controlada, de disposición autoritaria de la cámara que, sin embargo, no invade ni intimida al personaje ni abruma al espectador. Columbus bebe de Ozu, pero me acerca más al último Jarmusch de tal manera que Columbus y Paterson compartiendo las referencias urbanas, hablan de los mismos refugios interiores para sentirse vivos, configurándose ambas como películas de la esperanza y la construcción personal” (Miguel Martín Asensio)

Más información en:

https://www.elantepenultimomohicano.com/2017/12/critica-columbus.html

https://medialifecrisis.com/acting-out/2017-screenflowers-01-columbus-2017.html

viaje al cuarto de una madre (Celia Rico Clavellino, 2018)

Sinopsis: Leonor está preparada por dejar su pequeño pueblo del sur en el que vive con su madre y marcharse a trabajar. La preocupación por dejar sola a Estrella, su madre, juega en su contra llenándola de dudas. Estrella, a su vez, también siente miedo por dejar marchar a su hija aunque prefiere no decir nada. El vínculo que une a ambas es tan grande que Leonor va a tener que hacer un gran esfuerzo para crearse su nueva vida. Estrella, a su vez, tendrá que afrontar su soledad y comprender que querer de verdad esta vez significa dejar volar.

La película arranca con las dos protagonistas durmiendo al calor de la mesa camilla, que es el corazón del hogar. Se han quedado dormidas bajo los efectos del duelo, mental y amorosamente abrazadas la una a la otra. Pero cada una de ellas emprenderá un largo viaje -mental, pero también físico- hacia el frío, que las espabilará; la hija buscará su propio destino viajando hacia el Norte, concretamente a Londres, aunque protegida por el calor portátil de las botas que le regala su madre que, sola en el vacío de un piso cada vez más frío, también acabará dando con la manera de volver a salir, fuera del piso-sarcófago, ahí donde dicen que está la vida.

“Viaje al cuarto de una madre” retrata la relación entre una madre y una hija, una convivencia condenada a romperse por las leyes de la vida, dentro de un entorno humilde, de bombona de butano y brasero. Ambas trabajan de planchadoras, un oficio retratado en dos apuntes tan certeros que traen a la memoria los tiempos modernos de Chaplin, no tan lejanos. Llega la Nochevieja y en casa bastan dos docenas de uvas, siempre con el padre ausente, orbitando en silencio o como fantasma que vive en el armario de ese cuarto de esa madre.

Es una película sobre los lazos familiares que constantemente nos unen y nos separan, nos hacen fuertes y a la vez tan frágiles. Una película sobre los apegos y las distancias entre una madre y una hija que emprenden un doble viaje para descubrir lo complejo que es quererse.

Más información en:

https://www.cinemaldito.com/viaje-al-cuarto-de-una-madre-celia-rico-clavellino/

https://alfapictures.com/sp/amy_movie/viaje-al-cuarto-de-una-madre/

Petra (Jaime Rosales, 2018)

Sinopsis: Tras la muerte de su madre, Petra inicia la búsqueda de un padre cuya identidad le ha sido ocultada a lo largo de su vida. Todos los caminos parecen conducir hacia un hombre poderoso y despiadado. El destino, empeñado en imponer su lógica cruel, llevará a Petra hasta el límite de su fuerza interior.

“Petra es una maravillosa pieza artística apta para miradas contemplativas en tardes de lluvia y viento” (Santiago Jurado)

Petra es un ejercicio de gran solidez y muy bien trazado, que consigue algo tan complicado como hacer de su guion la principal baza narrativa, sin escudarse en espejismos o desmesurados recursos de montaje; una narración tan cruda como inteligente sobre la tiranía en su estado más salvaje.” (Alberto Sáez Villarino)

 “Con Petra, película que remite ya a la tragedia griega desde la solemnidad del nombre propio que da lugar al título, Jaime Rosales vuelve a hacer gala de una inteligencia y de una sensibilidad que están a la altura de pocos. Así, y mediante una serie de capítulos —en cuyos títulos ya se nos indica lo que va a ocurrir, la imagen solo se ocupará de describir la acción— que alteran la cronología de los hechos para dar lugar a una narrativa fragmentada, el director de Barcelona nos presenta a una pintora joven, Petra, que se acomoda en la casa de un pintor viejo, cabrón y de éxito. ¿El motivo de todo esto? La artista cree que se trata de su padre. Partiendo de esta premisa, típica como ninguna otra, por supuesto, Jaime Rosales se adentra en la vida de una familia fracturada y de todo lo que se encuentra alrededor de ella. La cámara del autor de Hermosa juventud (2014), que estará sometida a un perpetuo movimiento que recorre los exteriores e interiores desde el encuadre sin personajes hasta el encuentro de la figura humana, para después dejarla de lado de nuevo, entrará en contraste, desde la suavidad y parsimonia de su pasear, con la intensidad de las acciones que registra.” (Pablo Castellano)

“La calculada y minuciosa estructura de la cinta conduce al espectador por un extraño laberinto a la vez ajeno y perfectamente reconocible; transparente y sonámbulo. La cámara se coloca siempre de frente en el lugar más transparente de todos. Las escenas se van hilando en planos que son a la vez secuencias tan tensos y crudos como magnéticos. Todo queda a la vista y, sin embargo, lo que cuenta es la herida que discurre por dentro.” (Luis Martinez)

“en ella sigue experimentando con dispositivos (movimientos laterales de la cámara, que prolongan la duración de una escena mientras el corazón de esta sigue latiendo fuera de campo; una estructura capitular y discontinua, que desmonta sin descanso las expectativas que genera un relato jugando con su previsibilidad) que se interrogan, indirectamente, sobre qué sentido tiene narrar una historia, cuál es la responsabilidad moral del cineasta a la hora de decidir sus derivas. No es casual que, en el epicentro del film, haya un demiurgo que mueve los hilos, un dios perverso que controla la puesta en escena de sus monstruosos trucos para hacer avanzar la trama hasta que esta se independiza, toma cartas en el asunto, se adueña de sí misma para albergar una esperanza de reconciliación, lejos de ese genio del mal que entiende el arte como un valor de mercado.” (Sergio Sánchez)

Trilogía Paraíso: Amor – Fe – Esperanza (Ulrich Seidl, 2012-2013)

“Las protagonistas de las tres entregas de Paraíso están unidas por vínculos familiares y sus peripecias vacacionales son simultáneas y establecen vías de comunicación entre las diversas entregas —a través de llamadas telefónicas desatendidas o de la particular suerte de una mascota—. El gran tema de la trilogía es el fracaso de cada uno de esos tres personajes a la hora de medirse con el concepto que preside su personal relato: la imposibilidad de encontrar el amor a través del sexo mercenario ofrecido por vampíricos daños colaterales del colonialismo y el capitalismo terminal, de mantener la fe cuando todo es hostil y las plegarias no son atendidas y de conservar la esperanza cuando la felicidad (o su apariencia) está tras una línea moral infranqueable.

(…)

La cámara de Seidl parece haber encontrado el punto exacto para contemplar todas esas realidades desde la gélida atalaya de una objetividad desestabilizadora: planos generales a media altura que convierten la pantalla en un escenario teatral, donde la tristeza y el desamparo anímico forman extrañas simetrías sobre fondos de espartano interiorismo.” (Jordi Costa)

EL MÉTODO ULRICH SEIDL

-Rodar películas de ficción como si se tratara de un documental. De esta manera momentos inesperados de realidad pueden mezclarse con la ficción.

-No hay guión en el sentido tradicional. El guión consta de secuencias descritas con mucha precisión, pero sin diálogo. El guión se va modificando y reescribiendo continuamente durante el rodaje. Seidl: «Concibo la dirección de películas como un proceso condicionado por lo que precede. De esta manera el material que hemos rodado siempre determina el desarrollo general de la historia».

-El reparto está formado por actores y no-actores. Durante el casting se da igual consideración a los profesionales y a los no-profesionales. Lo ideal sería que el público no fuera capaz de decir con certeza qué personajes son interpretados por actores y cuáles por no-actores.

-Los actores no tienen copia del guión en el set de rodaje.

-Las escenas y los diálogos se improvisan con los actores.

-La película se rueda en orden cronológico, haciendo lo posible para adaptar y desarrollar continuamente las escenas y tramas argumentales. El final se deja abierto.

-La película se rueda en localizaciones originales.

-La música está presente sólo cuando es un componente integral de la escena.

Más información en:

https://www.elcultural.com/revista/cine/Los-tres-paraisos-de-Ulrich-Seidl/33225

Sinopsis: Teresa es una mujer austriaca entrada en años, madre de una taciturna adolescente con la que guarda una relación distante. Teresa no tiene pareja y se halla en una edad en la que es difícil encontrar un hombre que la pueda querer. Decide tomarse unas vacaciones para cambiar de aires, y viaja a Kenia, donde descubre, entre idílicas playas de arenas finas y aguas transparentes, todo un paraíso de africanos jóvenes, poseedores de atléticos cuerpos de ébano, dispuestos a acostarse con ella sin importarles la edad o la apariencia física.  Busca amor, pero pasa de un “beach boy” a otro, de desilusión en desilusión, y acaba por rendirse ante la evidencia: en las playas de Kenia, el amor es un producto comercial.

Más información en:

https://www.cinemaldito.com/paraiso-amor-ulrich-seidl/

http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/paradies-liebe-paraiso-amor.html

Sinopsis: Anna Maria, que ya aparecía brevemente en Amor, es una especialista en rayos X, acostumbrada a mirar en el interior de los cuerpos humanos. Vive sola y su única afición es el amor a Dios. Regularmente se flagela mientras reza frente a una cruz, escucha Radio María, tiene un grupo de oración que anhela convertir a toda Austria al catolicismo, incluso dedica parte de sus horas libres a visitar hogares, regalando esculturas de la Virgen María y tratando de convertir a sus moradores, esos personajes secundarios que en la filmografía de Seidl suelen ser auténticos freaks. Su casa está repleta de una parafernalia religiosa (cruces, retratos del Papa, vírgenes, rosarios, agua bendita) por la que la protagonista siente un cierto fetichismo. Un día, al regresar a su casa, se encuentra con Nabil, su marido, un musulmán egipcio condenado a la silla de ruedas. Los gritos se unen a los himnos y los rezos. La película narra el vía crucis del matrimonio

Más información en:

https://www.cinemaldito.com/paraiso-fe-ulrich-seidl/

http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/paradies-glaube-paraiso-fe-ulrich-seidl.html

Sinopsis: Melanie, una adolescente de trece años con problemas de sobrepeso, es la protagonista de la película. Su madre, Teresa, se encuentra de vacaciones en Kenia (tal y como vemos en Amor), y es su tía Anna Maria, una fanática católica (la protagonista de Fe), la que lleva a Melanie a pasar las vacaciones en un campamento dietético ubicado en la campiña austriaca, con la intención de hacerle perder unos kilos.
Es justamente en ese campamento, rodeada de otros adolescentes obesos, regido por una disciplina casi militar y bajo la atenta mirada de los adultos. Ejercicio físico, revisiones médicas y vídeos sobre alimentación saludable. En la intimidad del dormitorio compartido, Melanie y sus compañeras intercambian confidencias sobre el amor, el sexo, despotrican de sus padres, hacen peleas de almohadas, beben alcohol, fuman o incursionan en la cocina para robar comida. En una de las revisiones médicas, Melanie conoce al doctor Joseph, un hombre entrado en años pero todavía atractivo. Y se enamora.

Más información en:

https://www.cinemaldito.com/paraiso-esperanza-ulrich-seidl/

http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/paradies-hoffnung-paraiso-esperanza.html

los limoneros (Eran Riklis, 2008)

Sinopsis: Salma, una viuda palestina, tiene un litigio con el ministro de Defensa israelí. La casa de éste, en la frontera palestino-israelí, linda con su campo de limoneros. Cuando las autoridades deciden que los árboles deben ser talados porque representan una amenaza para el ministro de Defensa y su familia, Salma decide emprender una batalla legal para salvar sus limoneros.

Basada en una historia real, Los limoneros es una sólida, valiente peripecia que habla menos de un caso único que de todo un pueblo: en el fondo, lo que el film propone con delicadeza, pero también con un punto de vista crítico que no ahorra sus dardos sobre propios y ajenos, es una indisimulada reflexión sobre la ocupación israelí de los territorios palestinos.

La película nos muestra las consecuencias del conflicto en la vida cotidiana de las personas que tratan de sobreponerse a las dificultades que les salen a cada paso. La protagonista de «Los limoneros» sufre un doble castigo, tanto por parte del enemigo israelí como de su propia comunidad. En el duro proceso legal llega a identificarse con el abogado que defiende su causa, pero el hecho de que éste sea más joven que ella le impide enamorarse o tener una relación íntima, ya que está mal visto por los sectores musulmanes más integristas. Ese fuego cruzado entre ocupantes y ocupados, entre la fuerza militar y la de las costumbres tradicionales, hace que se sienta aún más sola y sin ayuda.

Los limoneros tiene, además, una simetría interesante en la yuxtaposición de la soledad de Salma y de Mira Navon, esposa del ministro, dos mujeres económica y socialmente muy distintas y, sin embargo, sorprendentemente próximas. Las miradas silenciosas que intercambian las dos protagonistas durante todo el metraje resumen la impotencia ante el callejón sin salida de este drama.

Más información en: http://www.golem.es/loslimoneros/

 

la muerte del sr. Lazarescu (Cristi Puiu, 2005)

Sinopsis: El señor Lazarescu es viudo y vive solo en un apartamento con sus tres gatos. Su hija Bianca se marchó a vivir a Canadá. Una noche, el solitario anciano se siente mal y llama a una ambulancia. Lo llevan a un hospital, y desde allí a otro y a otro más, pero en ninguno pueden atenderlo. Mientras tanto, su estado de salud se va agravando rápidamente.

“Dante Remus Lazarescu es un solitario anciano de poco más de sesenta años, jubilado y viudo que vive en unas condiciones bastante precarias, en un apartamento sucio y desordenado, únicamente acompañado por tres gatos. Sólo tiene a una hija que vive en Canadá, con la que se comunica esporádicamente por teléfono, y una hermana que transfiere mensualmente su pensión. Su vida social se reduce al contacto casual con sus vecinos, que no lo ven con muy buenos ojos debido a su alcoholismo y el olor que desprenden sus mascotas. Una noche, después de dos días de jaqueca y vómitos decide pedir ayuda a sus vecinos y al servicio de ambulancias. La suerte no acompaña a nuestro protagonista, se siente indispuesto justo la noche del sábado en la que un accidente de tráfico ha repartido gran cantidad de heridos en todos los hospitales de la ciudad y ninguno quiere internarlo. A la escasez de camas y quirófanos se une la desidia de su personal ante el drama del Sr Lazarescu y la desgracia colectiva. La enfermera de emergencias que lo atiende acompañará al anciano en un descenso a los infiernos de la burocracia sanitaria rumana (el nombre y apellido del personaje encajan perfectamente por sus alusiones a Dante en La Divina Comedia, así como a Lázaro, al que Jesús resucita de entre los muertos en el Evangelio).

Puiu nos muestra de un modo algo «kafkiano» una circunstancia cotidiana en la que un ser humano se ve superado por los obstáculos de una sociedad implacable, en una agria crítica a la ridícula burocracia institucional, que bien podría extrapolarse, en mayor o menor medida a cualquier rincón del mundo, y más en estos tiempos en los que la sanidad pública está perdiendo parte de lo conseguido en la cacareada sociedad del bienestar occidental. El director rumano señala también el caos hospitalario, la indolencia respecto al sufrimiento por parte de los miembros del personal médico, y muy especialmente, la falta de sensibilidad con la que éstos hablan de la condición del anciano (en cada hospital en el que le atienden sale a colación el tema de su olor a alcohol y a orines). No obstante, la crítica no se queda sólo ahí; Puiu no es nada condescendiente con la dejadez y el pasotismo de la víctima del sistema sanitario, y tampoco queda demasiado bien parado.

La obra de Puiu tiene un acentuado tono documental y está narrada prácticamente en tiempo real. Sería imposible plasmar una obra de este tipo sin el hiperrealismo desolador del que hace gala, sin apenas lugar para el sentimentalismo y la compasión (las escasas veces que se intuye es borrado sin paliativos mediante la ironía y el humor negro). Un film que nos cuenta, con total ausencia de artificios, temas de los que tenemos constancia pero que nos incomoda profundamente hablar de ellos mediante un estilo sucio y seco (está rodada con una cámara al hombro y con eternos planos secuencia), sin regodearse en la miseria, y con unas conversaciones creíbles e ingeniosas dotadas de un sentido del humor muy oscuro” (Pep S. Ledoux)

“El director nos deja una joya obligatoria para las próximas generaciones de profesionales de la salud y para todos los pacientes; una película humana y compasiva, que busca asomar tonalidades de humor entre tanta niebla de dolor” (Rafael Mejía)

“Este film con una historia aparentemente tan simple y cotidiana presenta una complejidad extrema en el plano de las relaciones humanas. Posee también su dimensión mítica, como lo indica el nombre del protagonista, y por si éste fuera poco, hay dos personajes llamados Virgil. Y el paciente culminará su noche en las manos del doctor Anghel. Pero sabemos que este Lázaro no volverá a levantarse” (Josefina Sartora)