trigal con cuervos (Van Gogh, 1890)

En los últimos sesenta días de su vida Van Gogh pinta ochenta cuadros. Algunos los más célebres de su obra. Un frenesí artístico con el que probablemente pretendía escapar de la erosión creciente de su salud, de un final que quizás veía cercano…

Este cuadro fue pintado sólo un mes antes de su muerte por suicidio y refleja intensamente su estado de ánimo donde expresa cruelmente la desoladora tristeza y la extrema soledad del pintor. Está considerado uno de sus mejores trabajos, una especie de testamento pictórico.

En el centro de la obra hay un camino que atraviesa el trigal. Se trata de un camino tortuoso que es como el artista veía su propia existencia, llena de soledad y decepciones. Las pinceladas nerviosas, a veces en ángulo recto, resaltan especialmente en el cielo, que ofrece un aspecto tormentoso y agitado, como si estuviera a punto de estallar una devastadora tempestad.

El lienzo está dominado por una atmósfera oscura, cargada de presagios, y el vuelo de los cuervos negros no alivia en modo alguno la tensión, al contrario, representa una fúnebre premonición de desgracia y muerte.

En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales, resulta atractivo especular sobre su significado. Hay quienes han sugerido que el cuadro es un reflejo de la incertidumbre de Vincent sobre el derrotero que tomará su vida. Según este punto de vista los tres caminos representarían el pasado, presente y futuro de la vida del artista.

En Trigal con cuervos las pinceladas son desordenadas e irregulares. El cielo azul y los campos amarillos se repelen con violencia.

El artista, que se había identificado muchas veces con el sembrador, el que trabaja la tierra y echa las semillas que darán nuevos frutos, reconoce aquí su irremediable derrota. El 27 de julio, vagando sin rumbo, llegó a estos mismos campos, pero en vez de disparar contra los cuervos dirigió el arma y se suicidó.

A ese mismo trigal, según cuentan, acudió con una pistola para dispararse el tiro en el pecho que le provocó la muerte tras dos días de agonía en brazos de su hermano. El 29 de julio de 1890 desapareció, después de diez años de enfermedad, tormento, penurias e incomprensión uno de los más grandes pintores. Sólo había vendido unos pocos cuadros, aunque sabía que algún día la gente habría de reconocer que “valen más que el dinero que costaron los colores para pintarlos.

En el bar

En el bar,
imito a los hombres
fumando largas caladas
de cigarrillo.
Todos gritan
por una pequeña pelota,
por unos tipos
que corren por la hierba
en vez de tumbarse en ella,
en vez de olerla.
Manejo mi caña fría
sin delicadeza,
y miro hacia el suelo
con un cierto gesto huraño,
como si mi mujer
me estuviera esperando
en bata,
acumulando soledades,
como si beber, fumar
y mirar la pantalla,
como otros tantos,
hiciera posible olvidar
mi miserable vida.
Me levanto de la silla negra,
y todos esos hombres me miran.
Nunca a los ojos.

Autor: Leticia Vera, blog http://basurerodetinta.blogspot.com.es/

Ilustración de Malcolm Liepke

no vendrán a buscarte

No vendrán a buscarte
cuando empiece el frío
Soltarán las cuerdas
lanzarán al río
lo que quede ileso

No hallarán los huesos
de tus pies descalzos
Quemarán la ropa
borrarán el rastro
de tus ojos tristes

No sabrás que un día
fuíste igual al resto
Carne que se asoma
pecho que respira
y el pavor de un llanto

Autor: Olga Domínguez

Fuente original:

http://olgadominguezpoesia.blogspot.com.es/2011/07/lx-no-vendran-buscarte.html

Ilustración de Joe King

Tiempo

Porque el tiempo todo lo puede,
llegará la calma
podré asomarme a tu sonrisa
y tú a la mía,
quizás para ello deban morir pertenencias entre nosotros,
crujir la voz
guardar silencio
respirar en un acto reflejo
dejar pasar horas sin color
donde no habrá quejas ni cuestiones,
se apagará el rencor
como se apaga una vela en el viento,
luego ya no habrá culpables,
bastará simplemente la oscilación de las mejillas
para saber que fuimos una sola caricia absoluta
y entre el eco de la muchedumbre…reconocernos.

Autor: Teresa Torres

Ilustración: Pierre Farel, “Brooklyn Sunset”

Anamnesis

“Mientras estamos dormidos en este mundo, estamos despiertos en el otro” (Salvador Dalí)

El diagnóstico
del doctor
definitivo:
No le pasa nada

El jefe ordena
tareas inaplazables
la teleoperadora expone
ofertas inmejorables
la amante propone
viajes a lugares recónditos

Ni atiende, ni oye ni escucha.

el camarero recita
las exquisiteces del chef
la hija explica
secretos de la escuela
la esposa susurra
palabras de amor

Ni atiende, ni oye ni escucha.

Han analizado la sangre y la orina.
Le han auscultado los pulmones.
Le han electro controlado el corazón.
Ecografía y tomografía.
Hasta resonancia magnética
E incluso tacto rectal.
Por supuesto, lo primero,
audiometría.

Nada.
No le pasa nada
concluye
el doctor

No le pasa nada,
tan sólo
habla con los muertos.
Sólo eso,
con dolor,
le asegura
la supervivencia

Autor: Javier Solé

Del poemario “El cementerio que habitan los vivos” (ISBN 978-84-9076-351-3)

Fotografía de Caras Ionut

 

A una adolescente

Porque en tu sangre había
diecisiete caballos galopando,
en el dulce pecado de la carne
tú y yo nos encontramos,
que el amor vuelve un día de repente,
igual que vuelve el árbol
del estéril invierno a la más verde
mentira del verano.

Porque en tu sangre había
diecisiete caballos galopando,
al corazón quisiste
llegar y te quedaste entre mis manos.
Mi corazón es sitio solamente
de corazón. Me lo dejé olvidado
en una tierra roja de olivares
donde todo es más claro.
Déjalo sollozar. Sólo me sirve
para un amor lejano.

Pero medí tu cuerpo con mis besos,
tus besos con mis labios,
para las altas lunas de tus pechos
fui poeta romántico,
porque en tu sangre había diecisiete
caballos galopando.

Autor: Rafael Montesinos

Ilustración de Richard Baxter

 

optimista

Estaba el muchacho asomado a la ventana de su casa.
Le pregunté: ¿Esperas a alguien?
-Sí, me contestó, espero el amor.
-Pero hombre, tendrás que salir a buscarlo.
-No, he leído que el amor llega cuando menos te lo esperas.
Y allí se quedó, pensativo, creciéndole la barba.

Autor: Chojesús

Fuente original: http://chojesus.wordpress.com/2013/08/20/optimista/

La ronda de noche (Rembrandt, 1642)

Aunque el título del lienzo como La ronda de noche está históricamente consolidado, su nombre original fue La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willen van Ruytenburg.

El nombre de La ronda de noche es erróneo y se debe a una mala interpretación de la luz: la suciedad y oxidación del barniz habían oscurecido las figuras y el cuadro parecía una escena nocturna.

Se trata de un retrato del capitán Cocq y el teniente Williem de Ruytnburgh, así como de miembros de la compañía de arcabuceros. Detrás de ellos aparecen los 18 integrantes de la Compañía, que pagaron una media de cien florines al pintor por aparecer en el cuadro, una suma más que considerable para la época. Los dos oficiales probablemente pagaron más, por el lugar privilegiado que ocupan en el cuadro. El tamborilero está cortado por el borde del cuadro pero era el único hombre que no tenía que pagar al artista pues no pertenecía a la misma clase acomodada de los demás miembros de la compañía.

Los personajes aparecen captados por el pintor holandés tal y como los pudo contemplar en numerosas ocasiones en el momento en que a diario la compañía se preparaba para formar y salir a continuación ordenadamente para recorrer la ciudad en su misión de vigilantes del orden. Además, en el cuadro aparecen tres niños corriendo y un perro que animan la escena.

Los rígidos cánones de los retratos corporativos sólo traducían rutina y convencionalismo e imposibilitaban la expresión personal y dramática. Rembrandt se apartó de lo convencional, evitando una escena estática y formal, y se basó la colocación de los personajes únicamente en razones plásticas.

La iluminación es la gran protagonista de este cuadro, porque recrea una atmósfera mágica de penumbras doradas, sombras envolventes y luces cegadores. Influido por Caravaggio, Rembrandt usa el tenebrismo y el claroscuro, creando fuertes contrastes entre la penumbra y la luz.

El personaje clave y misterioso del cuadro es el de la niña; es el único femenino y constituye un foco de luz casi espectral. Muchos críticos ven en la niña un retrato de Saskia, primera esposa del pintor, que murió prematuramente en el año en que fue pintado el lienzo.

Poema de Beppe Salvia

 

A escribir he aprendido de los amigos,
pero sin ellos. Tú me has enseñado
a amar, pero sin ti. La vida
con su dolor me enseña a vivir,
pero casi sin vida, y a trabajar,
pero siempre sin trabajo. Entonces,
entonces he aprendido a llorar,
pero sin lágrimas, a soñar, pero
no veo en sueños más que figuras inhumanas.
No tiene ya límites mi paciencia.
No me queda paciencia para nada, nada
queda ya de nuestra fortuna.
También a odiar he acabado aprendiendo
de los amigos, de ti, de la vida entera.

Autor: Beppe Salvia

Ilustración: Munch, “atardecer en el paseo Karl Johan” (1892)

Si las calles impresionistas eran todo bullicio y color, esta oscura calle noruega transmite todo lo contrario: Munch muestra la otra cara de la urbe moderna y lo hace provocando un insoportable desasosiego.

Los rostros cadavéricos miran directamente al espectador silenciosos y muy amenazantes, y sus caras iluminan la escena como luciérnagas en la noche. Es la escena de una película de terror.

Esta obra, titulada Atardecer en la Avenida Karl Johan es una de las obras más características del inquietante universo de Edvard Munch. Representa una hilera de personas que baja paseando por una conocida calle de la ciudad de Oslo mientras cae la tarde. Pero lo que podría haber sido una escena urbana corriente se ha transformado en una visión fúnebre de la realidad humana. Los rostros de los personajes parecen calaveras y se acercan hacia nosotros completamente alienados, amenazantes. El paisaje está conformado por colores extraños, simbólicamente oscurecido y artificialmente iluminado por las ventanas de los edificios y las caras de los personajes, cual luciérnagas en mitad de la noche. El perfil de la ciudad se recorta desde la izquierda hacia el horizonte, creando ángulos cortantes, mientras que en el extremo de la derecha se yergue terrorífica una sombra informe. Sólo un hombre aislado que camina por la calzada, a la derecha, se mueve en dirección contraria a la de la masa, provocando el absurdo.

La sensación es de enorme desasosiego. El espacio urbano no se muestra como un lugar de actividad y encuentro social sino como una metáfora angustiosa de la incomunicación. El cuadro está lleno de gente pero transmite un silencio mortal que nos produce un terrible escalofrío. Munch imagina el destino humano como algo vacío, desesperanzado y sinsentido. Esto fue lo que llamó la atención de los expresionistas alemanes a principios del siglo XX, que argumentaron que el arte debía captar los sentimientos más íntimos del ser humano. El hecho de que Munch viajase con frecuencia a Alemania y diera a conocer allí sus cuadros influyó de forma notable en la difusión de esta idea.

Sin embargo, unos años más tarde tanto las obras de Munch como la de los expresionistas fueron censuradas y destruidas porque fueron clasificadas como «arte degenerado» por parte de los nazis. El gobierno de Hitler confiscó 82 cuadros de Munch de los museos alemanes, justificando que sólo representaban la muerte y la debilidad de la condición humana, y que escandalizaban a los visitantes. A raíz de la invasión de 1940, la persecución se extendió también a los museos y galerías de Noruega y el artista fue menospreciado como un loco. El 23 de enero de 1944, todavía sin haber concluido la Segunda Guerra Mundial, Edvard Munch murió completamente solo, triste y olvidado.

De esta manera el artista ha representado la soledad del hombre individual que aparece escondida tras la multitud. No se trata de una escena ruidosa a pesar del gentío, más bien todo lo contrario, son hombres circunspectos en los que se aprecia un alma atormentada. La pintura sigue las pautas de la estética expresionista con colores contrastados, poco realista y formas sinuosas que nos remiten a los sueños o en este caso, a una auténtica pesadilla. El atardecer en la Avenida Karl Johan, preludia el dramatismo y agonía que el artista representara tan sólo un año después, en 1893, cuando presente la que se ha convertido en su obra más representativa, El Grito.

Despertar a tu lado

“Ni mis fantasías saben sucumbir al vacío de tu ausencia. Te he soñado tantas veces… pero nada es comparable con haberte sentido”

Mis manos han amanecido
en tu cuerpo en reposo,
y han hablado en silencio
con tu piel desierta.
El tiempo se ha parado
rozando tu cuerpo,
y a media voz
has soltado un suspiro.
Aun entre sueños
has buscado mis besos
y a tientas
has llegado a mis labios.
La noche ha muerto,
la mañana ha empezado
lo mejor de despertar….
que tu estes a mi lado.

Autor: Jéssica Murillo Ávila

Fuente original: http://semesubenloscolores.wordpress.com/2013/08/14/despertar-a-tu-lado/

Ilustración: Marc Chagall, “los enamorados de Vence” (1957)