campesino esparciendo estiércol (Millet, 1855)

Campesino esparciendo estiércol está en la misma línea que The Gleaners, que muestra a un campesino trabajando arduamente en los campos mientras se acercan nubes siniestras. La oscuridad de la pieza combinada con estas nubes me recordó a una tormenta, que representa la dureza de la vida rural.

La única parte brillante del cuadro son los haces de luz en la parte superior derecha. Brillando a través de las nubes de tormenta, estos rayos de luz representan esperanza y positividad en tiempos difíciles.

 Jean-François Millet es el pintor de los campesinos. Y si bien su obra tiene una influencia importante en lo que se llamará realismo o realismo social, que es el arte retratando a las clases bajas y trabajadoras, denunciando las injusticias y la vida dura a las que están sometidas, la obra de este artista tiene un toque de romanticismo, de idealización. No denuncia las condiciones duras de la vida del campesino, sino que lo dignifica a éste, lo enaltece.

 

Tras los inicios, orientados a la realización de retratos y pinturas de temática histórico-mitológica y erótico-galante, Millet se vuelca definitivamente hacia la fuente más verdadera y sentida de su inspiración artística: la vida rural. En este sentido, su pintura fue revolucionaria, ya que confería a sus campesinos una solemnidad y una dignidad casi heroica que será interpretada, en un clima marcado por las luchas de clases, como un fuerte signo de emancipación.

Implementando una verdadera “epopeya de los campos”, Millet supo contar la vida de los campesinos con vívida cercanía emocional, analizando su simple y fatigoso día a día en los campos en todas sus fases y en cada momento del día, desde el amanecer hasta la madrugada. puesta de sol.

Desde un punto de vista estilístico, Millet fue muy sensible a la ofensiva realista de Gustave Courbet, de quien se inspiró para crear pinturas directas y sin adornos y temas de pintura hasta ahora considerados triviales e indignos de representación pictórica (en este caso, el trabajo diario de los agricultores). Sin embargo, a diferencia de otros pintores realistas, Millet no utilizó sus cuadros como instrumento de denuncia social y, por el contrario, los llenó a menudo de una intensa implicación lírica y sentimental: este fue uno de los aspectos más criticados por otros artistas y críticos, como como Cézanne, quien comparó las pinturas de Millet con una “vieja glándula lagrimal”. 

A pesar de ello, las obras milletianas se distinguen por la esencialidad geométrica de las formas, la regularidad y armonía de las composiciones, el meditado equilibrio entre luces y sombras y el equilibrio entre manchas y matices de colores: todas estas son características que revelan una ambientación clásica, así como una reflexiva reflexión sobre los arquetipos renacentistas. 

Las figuras humanas presentan un cuerpo modelado con enérgica plasticidad y poseen actitudes bien definidas: por el contrario, los detalles de la pintura no están descritos analíticamente, sino apenas insinuados y fijados en su esencialidad.

La joven pareja vista Going to Work (1851-53) está equipada para su día en el campo.

Ella lleva una cesta de mimbre sobre la cabeza y lleva un saco y un trozo de cuerda y él una horca al hombro, que porta como si fuera un rifle de soldado.

Ambos son delgados y desaliñados, desde sus zapatos gastados de gran tamaño hasta su sombrero arrugado.

Los tobillos delgados del hombre son casi una caricatura para indicar hambre perpetua, pero aun así caminan hacia el trabajo a la luz de la madrugada.

En Mujeres cargando haces de leña (1858), extraordinario dibujo en carboncillo y gouache, se vislumbra la fascinación de Millet al ver a los campesinos recolectando, cortando, atando y transportando haces de leña en el bosque de Fontainebleau, su paisaje natal durante gran parte de su vida.

En La fileuse chevrière auvergnate (1869) una joven campesina, sentada encima de un talud, hila la lana con un huso mientras guarda sus cabras.

Lleva un vestido cortado en una tela basta y un gorro de lana. En los pies, tiene zuecos de madera, y el gorro de paja que lleva en la cabeza tiene los bordes desgarrados. Su rueca está hecha con un bastón de avellano que aguanta la madeja de lana cruda. La cabrera hila esta lana devanándola mediante un huso que sujeta con la mano derecha.

Las pinturas de Millet tuvieron un gran eco y muchas se vieron afectadas por su influencia: Pissarro, Seurat, Gauguin, Segantini, Knight y, sobre todo, Van Gogh.

recuerdo de Polonia

I

En Varsovia, una muchacha hablaba así:
si quieres acariciarme, yo no me opondría;
si quieres besarme, puedes hacerlo
te permitiría que me desnudes los senos.
Pero debes saber que a papá lo fusilaron los alemanes
y a un hermano mío lo quemaron en los hornos.

Si quieres acariciarme, yo no me opondría
pero debes saber que todos estos muertos
están en mí
y yo toda, toda soy de ceniza.
Bésame, pero que no te sepa amarga.

II

En Cracovia, una muchacha hablaba así:
si quieres puedes abrazarme
si quieres puedes acariciarme los senos
pero no me compres abalorios, nunca.
Tenía trece años cuando los alemanes
ahorcaron a mamá, de un árbol en la calle.

Si quieres podemos atravesar nadando el Vístula
pero no me digas que tengo el cuello blanco y bello
y no me compres abalorios, nunca.

Autor: Geo Bogza

Fotografía: Roman Vishniac, “Niña que regresa de la tienda con una olla de sopa y una botella de leche” Lodz, 1938)

mujer en camisa (Madeleine) (Picasso, 1904)

Madeleine era el nombre de una modelo que posó para Picasso y se convirtió en su amante en el verano de 1904. Se­gún Picasso, quedó embarazada y tuvo un aborto. Desafortunadamente, eso es todo lo que sabemos sobre Madeleine. De dónde vino, a dónde fue después de dejar a Picasso, cuando murió e incluso su apellido se perdieron en la historia.

Su relación con Madeleine parece haber afectado mucho a Picasso, ya que comenzó a dibujar imágenes de madres con sus bebés en esa época, como para reflexionar sobre lo que podría haber sido. A finales de 1904, cuando Madeleine tendría que haber dado a luz, Picasso pinta unas maternidades increíblemente tiernas.

Es cierto que la causa de la tristeza, la tonalidad, que emana del periodo azul no es una mujer. Pero sí hubo una que apareció sistemáticamente representada en estas obras: Madeleine.

En esta etapa no encontramos una individualización del rostro femenino, sino un prototipo de mujer estilizado y elegante, encontramos a Madeleine, una joven con una belleza extremadamente frágil, delgada, enfermiza que servirá de modelo a Picasso para obras como La comida frugal, o La planchadora.

Mujer en camisa representa la figura de una bellísima y serena mujer en blanco vista de perfil y enmarcada en un fondo azul. Picasso ya está empezando a transgredir las normas de representación académicas y se atreve a mostrar el cuerpo desde un punto de vista frontal mientras que el rostro y el pecho están vistos de perfil. Este tipo representación hunde sus raíces en la civilización egipcia.

En esta pintura Picasso escenifica el paso sin ruptura del periodo azul como metáfora de la antigua amante a la paleta rosa.

Madeleine aparece en algunas de las últimas obras del período azul de Picasso, todas pintadas en 1904 como Mujer en camisa, Madeleine, Mujer agachada, Mujer con un casco de pelo, Retrato de Madeleine, Madre e hijo.

 

el campo pequeño en Buchenwald (Boris Taslitzky, 1945)

El pintor judío Boris Taslitzky (París, 1911-2005), miembro del Partido Comunista Francés desde 1935, combatió en la Resistencia, fue capturado y encarcelado en Clemont-Ferrand, en Riom y en Saint-Sulpice-la-Pointe, y posteriormente deportado a Buchenwald en agosto de 1944.

Los cuadros de Boris Taslitzky, que hizo bocetos durante su cautiverio, ofrecen un realismo brutal, un enfoque monumental de la muerte y del sacrificio, que estaba más en consonancia con el realismo socialista soviético. Su cuadro El campo pequeño en Buchenwald  muestra el perturbador mundo del campo de concentración, donde unos cuerpos famélicos son arrojados a un lado como colillas, donde los soldados y los perros atacan a los que están más muertos que vivos. Boris Taslitzky decía que él “escupía la deportación sobre sus lienzos”. Por sus imágenes y por el uso que hace de los colores discordantes, Boris Taslitzky utilizaba su arte para insistir en que la obscenidad política del pasado reciente no debía ser olvidada por el pueblo francés.

nunca olvidaré

Nunca olvidaré esa noche, la primera noche en el campamento, que convirtió mi vida en una larga noche sellada siete veces.
Nunca olvidaré ese humo.
Nunca olvidaré las pequeñas caras de los niños, cuyos cuerpos vi transformados en humo bajo un cielo azul silencioso.
Nunca olvidaré esas llamas que consumieron mi fe para siempre.
Nunca olvidaré el silencio nocturno que me privó por toda la eternidad de las ganas de vivir.
Nunca olvidaré esos momentos que asesinaron a mi Dios y a mi alma, y convirtieron mis sueños en cenizas.
Nunca olvidaré esas cosas, incluso si estuviera condenado a vivir tanto como Dios mismo.
Nunca.

Autor: Elie Wiesel

Fotografía: Campo de concentración de Buchenwald. Elie Wiesel se encuentra en la segunda fila de literas, el séptimo contando desde la izquierda.

casa

Escribo casa y pongo el acento en los hijos.
Y sé que una mujer espera mi regreso
para abrirme su vientre y enredarse en mi lengua.
Escribo casa y solo el miedo me detiene.
El miedo de la cama con sábanas bordadas,
el miedo del salón con olor a vainilla,
el miedo de los besos y los lloros que acaban
en serios compromisos. El miedo a ahogarme.
Escribo casa y sueño con cadenas y jaulas.
Escribo casa y sueño con un mundo mejor,
más habitable, un mundo donde decir te quiero
no sea disparar contra nosotros mismos.
Escribo casa, y tanto escribo esa palabra
que sus sílabas duelen como un mal despertar.
Escribo cada letra, hasta cuatro, y entonces
mis ojos pueden verla,
                                      y ya me alejo.

                                                          Casa.

Autor: Alberto Tesán

Fotografía de Rodney Smith

última postal

Caí junto a él, junto a su cuerpo entregado
y tenso como una cadena recién ajustada,
tenía un disparo en la nuca. “Así acabaré”
–me dije– “acostado e inmóvil,
como una flor que aguarda en medio de la muerte.”
Entonces una voz cercana me dijo desde arriba
“florecerás de nuevo”,
mientras el barro y la sangre sellaban mis oídos

Autor: Miklós Radnóti

Fotografía: Un judío asesinado en Vinittsa, Ucrania, en 1941

Cuando el 26 de septiembre de 1941 el Ejército Alemán y las SS irrumpieron en Kiev, pocos imaginaban las masacres que se cometerían pocas horas después. La primera matanza se produjo al día siguiente. Fue cuando un comando se dirigió a una clínica psiquiátrica y ejecutó a sus 752 pacientes.

El 29 y el 30 de septiembre de ese año en el barranco de Babi Yar las SS y los soldados de la Wehrmacht asesinarían a 33.771 judíos en una sola operación. Una vez en el infame lugar, se les ordenó desnudarse y marchar: minutos después una ráfaga de ametralladora acabaría con sus vidas. Fueron 48 horas de sangre.

Los judíos de Kiev fueron obligados a desnudarse en lo más alto del barranco. Después serían ejecutados y sus cuerpos rodarían hasta el final, componiendo una de las fosas comunes más grandes de la historia.

La Solución Final se experimentó allí de manera brutal. Fue la antesala del laboratorio de exterminio nazi que durante cuatro años más enlutaría a Europa durante la Segunda Guerra Mundial.

la lluna

La lluna, càndida,
estén un vel de núvia de silenci
damunt dels camps insomnes.
La nit s’ha vestit de cerimònia
amb lluentons ingràvids.
Intrusa i solitària,
contemplo la nupcial litúrgia,
mentre un esclat d’enveja
m’omple de lava
tots els volcans de l’ànima.

Autor: Carmen Guasch

Ilustración: Tomás Sánchez, «contemplando la luna» (1994)

LA LUNA

La luna, cándida,
extiende un velo de novia de silencio
sobre los campos insomnes.
La noche se ha vestido de ceremonia
con brillos ingrávidos.
Intrusa y solitaria,
contemplo la nupcial liturgia,
mientras un estallido de envidia
me llena de lava
todos los volcanes del alma.

Autor: Carmen Guasch

Ilustración: Glen Preece, “The lovers, the fox and the moon”

un viejo

Un viejo
sale de su casa llevando libros.
Un soldado alemán se los quita
y los arroja al barro

El viejo recoge los libros,
el soldado lo golpea en la cara.
El viejo cae,
el soldado le da una patada y sigue su camino.

El viejo
yace en medio de lodo y sangre.
Bajo su cuerpo siente
los libros.

Autor: Anna Swirszcynska

Fotografía: Roman Vishniac, “Isaac Street, Kazimierz, Kraków”

las lavanderas de la costa bretona (Jules Breton, 1870)

Estas mujeres están lavando ropa en agua dulce que fluye de la roca de la derecha, donde dos mujeres están sacando agua. Una mujer con su colada terminada regresa al pueblo por el camino que baja a la playa. Parece ser por la tarde con el sol bloqueado por las colinas circundantes y la marea está baja. Las mujeres frotan la ropa con paletas y jabón y luego la retuercen en husos para secarla. Bretaña está en la costa norte de Francia, cerca del Canal de la Mancha.

Jules Breton visitó Bretaña por primera vez en 1865; uno de los muchos artistas y viajeros que visitaron el área donde los habitantes mantuvieron el idioma, la religión y la cultura de los primeros colonos celtas. Visitó las playas y observó a las lavanderas y otros campesinos en su trabajo diario, creando grandes lienzos como este. Breton retrata a las mujeres de una manera más realista y natural relacionada con el trabajo que realizan en lugar de las poses más clásicas.